Visão

Quando foi a última vez que esteve num museu? Há quem possa responder à pergunta de forma simples: “Esta manhã, assim que acordei.” São os colecionadores que, sem hipérbole nem caricatura, podem dizer que têm autênticos museus na sua vida privada. Têm acervos que convivem com as frases conceptuais do artista norte-americano Lawrence Weiner inscritas nas suas próprias paredes, ou têm quadros de Julião Sarmento por cima da lareira, pinturas de Paula Rego em corredores, trabalhos de Joseph Kosuth ao lado da aparelhagem, telas cromáticas ou assemblages de Fernão Cruz no sótão, edições de Louise Bourgeois na cozinha ou óleos de Barceló à cabeceira da mesa de jantar. Aliás, a arte é (quase) “mais um filho”. Falam numa “sede”, numa “paixão”, num “amor à primeira vista”, num “vício”, e continuam a adquirir mais e mais obras de arte. Têm listas de desejos a cumprir, apesar dos milhares de trabalhos que já guardam em armazéns climatizados. Muitas vezes, as suas obras são emprestadas para exposições e museus, o que também “valida” estas coleções. Mas partilhar uma coleção privada com o público é um gesto generoso, recorde-se. Os acervos que estas pessoas construíram ao longo de décadas são os seus “museus imaginários”, usando o título do clássico de André Malraux de 1974: lugares que revelam o pensamento de quem reuniu aquelas obras, o percurso de vida que as levou até ali, o gosto de quem as comprou. E “gosto” é a senha de entrada nestas seis histórias tão diferentes de colecionismo em Portugal. Mesmo que o gosto não queira dizer a mesma coisa para todos. Como poderia ter escrito Gertrude Stein, cada gosto é um gosto é um gosto.

O casal fundador da Coleção Maria e Armando Cabral – Rialto6 usa a ironia, ao apontar para uma fotografia da consagrada Cindy Sherman que instalou junto à porta do elevador da casa que lhe serve de quartel-general e galeria. O grande plano do rosto algo grotesco está longe das encenações cinematográficas pelas quais a artista é vendida por milhões: “As pessoas dizem-nos: ‘Ah, que horror, como é que vocês convivem com isto?’” Aplique-se a tinta da realidade: no edifício lisboeta onde residiu o escritor António Lobo Antunes (e onde eles emolduraram dois pedaços de parede com as suas anotações literárias) há ecletismo e risco nas peças omnipresentes, que tanto incluem uma fotografia de grande formato do artista alemão Wolfgang Tillmans como os escritos na parede de Lawrence Weiner.

É prática comum os grandes colecionadores portugueses de arte contemporânea, talvez arrumados numa trintena bem contada, receberem artistas, outros colecionadores internacionais, diretores de museus, delegações da Arco Lisboa, por exemplo, que vão conhecer as coleções privadas nacionais em versão intimista. Os visitantes de Maria e Armando Cabral recordam-se seguramente dessa ocasião em que eles colocaram a imponente instalação Wallenda (1997) do artista João Penalva, em que o artista assobia integralmente A Sagração da Primavera, de Stravinsky, durante 30 minutos… no closet da casa. “O galerista do Penalva não achou piada, mas o Penalva achou”, sorriem os anfitriões.

É um cenário distante dos primeiros tempos em que este casal regressou a Portugal, em 1996, depois de anos a trabalhar em Londres, e comprou duas ou três peças para “pendurar atrás do sofá”. Projeto colecionista não tinham: liam, estudavam teoria da arte, interessavam-se. A galerista Cristina Guerra, figura incontornável do circuito galerista nacional e nome citado por muitos destes colecionadores, deu-lhes um conselho: “Não comprem arte, as pessoas só fazem asneiras quando começam.” Seis meses depois, deu-lhes luz verde, e Maria e Armando Cabral compraram uma fotografia de João Onofre, Levitation in the Studio, um autorretrato do artista evocando um mágico a levitar. Obras de arte contemporânea diferentes começaram, então, a ocupar-lhes o espaço doméstico – como a grande mesa-escultura adornada de esferas e elipses da autoria do norte-americano Matt Mullican, que não deixava espaço para ninguém se mexer à volta e os fazia dizer constantemente aos filhos, então com 4 ou 5 anos: “Não podes tocar, não podes tocar!” Hoje, a respeitada Coleção Maria e Armando Cabral – Rialto6 soma cerca de 350 peças.

“Sempre tivemos uma posição militante de explorar os limites. Viajámos muito, íamos a galerias mais underground, sempre preferimos peças de arte com um certo desafio intelectual”, descrevem. Uma das joias da coleção, e da casa de Maria e Armando Cabral, é o filme de 16 mm criado por João Maria Gusmão e Pedro Paiva, artistas experimentais que exploram as fronteiras do nonsense e da tecnociência. Uma compra arriscada para os então colecionadores novatos: era preciso encontrar um (caro) projetor adequado, que este funcionasse, que os habitantes da casa não se importassem de conviver com o ‘rrrrrrr’ metálico do aparelho… A obra visual é uma das dez peças que Maria e Armando Cabral adquiriram à dupla de artistas portugueses: havia ainda uma décima primeira película, mas o casal ofereceu-a à Tate… no próprio dia em que a comprou. “Deixámo-nos convencer pelo galerista”, contam. A coleção é dominada por vídeo, instalação, fotografia. Pintura? Pouca, garantem. No rés do chão do edifício, funciona a galeria Rialto6, onde os colecionadores organizam exposições num espírito de uma “Kunsthalle Lissabon, uma Galeria Appleton ou uma Zé dos Bois” – projetos que apoiam. “O Rialto tem uma postura quase antidiscursiva. O que queremos dizer com isto? Não sentimos nenhuma necessidade de afirmar uma certa perspetiva, um ângulo. Temos uma forma de intervenção no sistema que é mais orientada para facilitar a produção e o trabalho novo do que propriamente para fazer a exibição da coleção que está a ser construída”, explica Armando Cabral. E partilha que muita gente já foi bater-lhes à porta, acreditando que iam contemplar a sua coleção privada. Mais tarde na conversa, o colecionador avança opiniões fortes: “São muito raras as coleções em que a coleção é mais interessante do que a soma das peças. As coleções falam do colecionador, não acho que as coleções de arte tenham um valor cultural por aí além. Não é pelo facto de alguém ter dinheiro para comprar uma obra do indivíduo A que aquilo se torna a última Coca-Cola do deserto para a Humanidade.”

Hoje, Portugal parece ter-se aproximado mais da ideia de oásis para a arte contemporânea: novas galerias formigam, a Arco Lisboa, inaugurada em 2016, trouxe mercado e visibilidade, os novos residentes estrangeiros insuflam as vendas, os artistas portugueses ganham mais atenção. José Carlos Santana Pinto diz que gosta dos “artistas que não fazem mais nada”. E que quando compra, não lhe basta ver uma peça isolada: “Preciso de conhecer a obra do artista; tem de haver uma linha, uma pegada, um rasto nas escolhas para a coleção. Algo quase natural. Não tenho dinheiro para me enganar.” A arte conceptual, os jogos de linguagens, citações, as apropriações formais, dominam esta singularíssima coleção privada. “A minha base são sempre os artistas americanos conceptuais e minimalistas: o Joseph Kosuth, o Lawrence Weiner… São artistas velhíssimos, a trabalhar há muito, e tudo isto tem uma história importante na minha vida”, conta. Na sua sala, a obra do gigante Kosuth ganhou a vizinhança de um néon do jovem Fábio Colaço – um gesto curatorial característico deste colecionador que gosta de colocar obras em diálogos e ecos.

“Às vezes, faço disparates. Tenho uma peça do Daniel Buren, que tem o certificado mais bonito que há, e onde ele exige que a obra seja colocada no chão – e eu tenho-a na parede; se esta fosse uma mostra pública, não teria a lata de o fazer.” José Carlos Santana Pinto abre frequentemente as portas da sua casa a artistas, galeristas, diretores de museus, para visitarem aquilo que se assemelha a uma extraordinária coletiva: as mais de cem obras espalhadas por todas as divisões, apenas um quinto da sua coleção privada contabilizada em cerca de 500 obras. No quarto do colecionador, vê-se a peça de Gonçalo Barreiros que mimetiza um bueiro. No quarto do filho, um quadro de Antoni Muntadas conversa com Money, de Rui Valério – grafado tal como a assinatura do pintor impressionista Monet. Há uns tempos, o pai-colecionador forrou esta divisão com 90 desenhos da autoria de Allan McCollum e o filho queixou-se de que não conseguia dormir ali. A pulsão colecionista é, aqui, imediatamente visível: na sala, o olhar demora-se. Aqui, numa peça de Leonor Antunes que se apropriou de uma janela do Sesc Pompeia (o centro cultural paulista concebido por Lina Bo Bardi). Ali, a instalação de Carl Andre (viúvo da artista cubana Ana Mendieta), acolá Cabrita Reis, Doug e Mick Starn, uma peça chamativa de Daniel Van Straalen: David.David, representada por dois bustos do David de Miguel Ângelo com uma bola de Jeff Koons entre eles. Mas a vivência imersiva entre obras da coleção não faz o colecionador gostar do termo “casa-galeria”: “Este não é um espaço comercial, nada tenho para vender.”

Claro objeto de desejo

Falta-lhe aqui a série de fotografias de Helena Almeida que, em 1973, a histórica galerista Dulce Agro tentou convencê-lo a adquirir. Hoje, sabe, valem cerca de 400 mil euros. “Um dos grandes erros da minha vida”, assume o colecionador. Mas as suas escolhas são sempre comandadas pelo gosto. “Sei o que não quero.” “Muitos amigos compravam arte, mostravam-me e eu perguntava-lhes: ‘Porque é que compraste?’ Respondiam que gostavam. Gostar é importante, mas é pouco.” O colecionador crê numa espécie de darwinismo do gosto. “Eu gosto de Erik Satie, mas, se calhar, comecei pelas valsas do Strauss. Quando comecei a colecionar, aos 21 anos, comprei a minha primeira obra na Sociedade Nacional de Belas Artes: um Mário Botas, em vez de uma imagem de uns barquinhos com reflexos na água. Ter algo digno, numerado, assinado, é muito melhor do que ter um ‘menino da lágrima’”, sublinha. E diz mais: “O gosto aprende-se, a sofisticação faz parte do percurso do colecionador. Mas há pessoas que têm mais nariz do que outras. Ter só conhecimento não é tudo.” E o colecionador acha que tem “nariz”? José Carlos Santana Pinto responde filosoficamente: “O tempo é que vai decidir [sobre o valor das obras], o tempo é um absoluto.”

O tempo é também uma testemunha: em miúdo, este colecionador juntava já cromos de futebol, bilhetes de elétricos, caricas… “Fugia da empregada que me levava à escola no Largo do Leão, porque havia ali muitas tabernas castiças. Apanhei uma infeção nas mãos por remexer na serradura do chão, à cata de caricas bonitas.”

A ideia de casa-galeria também não seduz os fundadores da Coleção AA-Ana Cristina e António Albertino. Ana Cristina explica porquê com uma imagem protetora: “Temos de ter uma pele.” António Albertino acrescenta-lhe pragmatismo: “Esse tipo de projetos tem inteligência e estratégia, mas abdica-se da casa para se ser colecionador: a arte é que habita a casa deles. Eu sou mais conservador. Em nossa casa, temos os nossos [autores] queridos. Na sala, estão obviamente peças de Fernando Calhau, Julião Sarmento, Michael Biberstein, João Queiroz, John Baldessari, duas belas esculturas de Rui Sanches, duas belas fotografias de Thomas Ruff…” Este name dropping é uma destilação doméstica de uma coleção de 450 obras que continua a crescer, mas com limites. “Nos últimos anos, deixámos de comprar obras que, pelas suas dimensões e pelos custos de manutenção, só são possíveis de manter numa grande instituição.” O foco, esse, continua a ser o da arte contemporânea. “São opções de gosto. Não tenho pratas em casa, não há coleção de Companhia das Índias… O que temos é mobiliário, livros e arte”, sumariza António Albertino.

Unido há 45 anos, o casal de colecionadores diz ter criado a Coleção AA “sempre em conjunto, num espírito de partilha”. As primeiras aquisições feitas? Ângelo de Sousa e Jorge Martins, “amor à primeira vista”. “Começámos por comprar arte contemporânea por uma necessidade de dar sentido à nossa própria existência, às interrogações do que somos”, sintetiza António Albertino. “Visitávamos muitos museus, os nossos filhos apanhavam uma seca, mas é aí que se aprende. Sempre que vou a um museu, saio em paz comigo.” Muitos colecionadores defendem que “a arte só faz sentido se for partilhada com os outros”. Mas há desafios lembrados por António Albertino: “Não tenhamos ilusões: a arte contemporânea é elitista. As pessoas passam ao lado, não há hábitos de visita regular aos museus. Podemos colocar a cabeça na areia…” Ou organizar exposições baseadas na sua coleção privada pelo País fora. Há 13 anos, revelaram parte da coleção AA e celebraram o 60º aniversário de António Albertino no espaço abandonado da antiga Sociedade de Porcelanas de Coimbra, limpo do lixo em dois meses com ajuda de amigos. Há sete anos, os colecionadores pagaram do seu bolso a remodelação de um armazém de trabalho com zelo de white cube, para mostrar mais peças. “Sabe quem ia para lá trabalhar? Era eu e a Ana Cristina.”

Militância

Agora, e até 13 de julho, organizaram, no espaço do Museu Municipal de Coimbra – Edifício Chiado, a exposição O Vaguear do Olhar, com curadoria de Ana Cristina. Reuniram desenhos de Ângela Ferreira e Carla Filipe, esculturas de Rui Sanches e Rui Chafes, pinturas de Fernando Calhau, e levaram, em jeito de homenagem, a pintura de Julião Sarmento que têm habitualmente sobre a lareira. Mas os AA apontam o dedo à burocracia e à ausência de políticas culturais para criar condições dignas para mostrar coleções privadas no País. “O que desejamos é um espaço vivo, com orçamento mínimo para fazer três exposições anuais, curadores convidados, transporte, seguros, catálogo. Uma estrutura adequada. E isso não tem sido a realidade encontrada junto de instituições ou autarquias.”

O esforço e a militância para mostrar uma coleção privada com grande ambição é um assunto que os fundadores da Coleção Norlinda e José Lima conhecem bem. A sua coleção soma mais de 1 580 obras de arte, e cerca de 1 200 estão em depósito no Centro Oliva, em São João da Madeira. O projeto sob alçada municipal tem enfrentado desafios públicos: a questão periférica, a falta de equipa, os orçamentos de programação baixos (€80 mil). Soma-se-lhe a frustração de José Lima por não ver cumpridos os desejos de circulação das obras numa programação mais intensa, por sentir falta de maior divulgação, pela inexistência de uma equipa de curadores e conservadores na instituição. “O Estado tem de ajudar as câmaras municipais para estas condições serem cumpridas”, defende. O colecionador encomendou recentemente uma sondagem, que revelou que mesmo os locais não sabiam localizar onde estava a coleção de arte contemporânea em São João da Madeira, e isso ressuscitou uma velha batalha: a da instalação de placas a indicar a direção do Centro Oliva. O colecionador nunca recusou um pedido para empréstimo de obras da coleção privada: “Desde que tenham um sítio digno, digo imediatamente que sim.” Na Coleção Norlinda e José Lima predomina a pintura, mas a enxurrada de artistas, jovens e consagrados, é avassaladora, espalhando-se pela casa, arrumando-se em vários armazéns: Lourdes Castro, Ilda David, Donald Judd, Diogo Pimentão, Tápies, Helena Almeida, Diogo Nogueira, Paula Rego, Fernão Cruz, João Gabriel…

Histórias exemplares

“Tenho muitos clientes estrangeiros que vêm cá, e dizem que querem ver um museu de arte contemporânea. E eu digo-lhes: ‘Porque é que não vens ali a casa?’”, conta o empresário, com tradições na indústria do calçado. Iniciada quando tinha 40 anos e já uns tostões no bolso, a coleção continua a devorar aquisições. A última foi uma peça de Bernardí Roig: “Comprei uma escultura lindíssima, com dois metros, na ARCO Madrid. E arrependi-me: ‘Onde é que eu vou meter isto?’”, ri-se com entusiasmo. Acrescenta: “O meu problema não é a pena do que tenho, é a pena de aquilo estar parado. As obras eram para estar nas ruas, nos teatros, em exposições!”

“Comprar é compulsivo, é-se como um jogador de casino”, assume. Na sala de família, o retrato poderoso de Miquel Barceló exigiu-lhe um telefonema para o banco, a pedir capital. “Comprei o quadro e fiquei teso durante um ano.” No lado oposto, há um objeto carregado de simbolismo: uma rosa do deserto adquirida em Marrocos, onde, convalescendo de um problema de saúde, José Lima se atirou aos 83 anos, num rally. “Tudo o que comprei foi porque gostei. Não tive influências de galeristas. E tenho sorte: tenho trabalhos que mais ninguém tem.” Como a descoberta que fez na Tate, em Inglaterra: “Ao fundo do corredor, vi uma obra pendurada por uns ilhoses. ‘Grande quadro! Não sei quem é, Leon Golub?’ E alguém me diz: ‘É o pintor maldito dos EUA.’ Andei três anos atrás de um quadro dele.” O filho Ricardo Lima, hoje também dedicado à gestão da coleção dos pais, defende o faro do pai a apostar em novos artistas desconhecidos, anos antes de fazerem nome. “Digo muitas vezes que não sou bem um colecionador, sou mais um coletor”, declara José Lima. 

Em Portugal, há histórias felizes e histórias menos felizes no que respeita à gestão e à divulgação de coleções privadas no espaço público. A coleção de arte contemporânea do comendador Joe Berardo, hoje no limbo institucional, fez tristes manchetes. Já a perseverança do colecionador António Cachola, distinguido com o Prémio “A” de Colecionismo Privado da Fundación Arco em 2016, mantém a sua coleção, dedicada exclusivamente a artistas portugueses, em depósito no Museu de Arte Contemporânea de Elvas – MACE desde 2007. A recente inauguração do Pavilhão Julião Sarmento, localizado num antigo armazém de alimentos reabilitado pelo arquiteto João Luís Carrilho da Graça com um orçamento de seis milhões de euros, a que se somaram 500 mil assegurados pela EGEAC, revela ao público as 1 500 obras colecionadas pelo artista português, desaparecido em 2021. E, em março, houve a inauguração do MACAM – Museu de Arte Contemporânea Armando Martins, um game changer, um museu privado com uma coleção com cerca de 600 peças – e um hotel associado como modelo de financiamento próprio. As expectativas, garante Armando Martins à VISÃO, foram superadas: 35 mil visitantes em 52 dias. E houve surpresas: a galeria 1 dedicada ao modernismo português transformou-se num sucesso – e o colecionador vai investir mais nesse núcleo do passado. É uma iniciativa privada que marca o panorama artístico e que impressionou os colecionadores nacionais. Aliás, o MACAM inclui a House of Private Collections, galeria com espaçosos 700 m², destinada a receber mostras de coleções privadas, alternando entre nacionais e estrangeiras. E já houve várias manifestações de interesse… A primeira coleção particular mostrada será a de José Carlos Santana Pinto, referiu o próprio à VISÃO.

“Há acervos que estão guardados em armazéns, como esteve a minha coleção tanto tempo, e que assim não servem para nada – nem mesmo para o próprio colecionador. Talvez seja até um pouco egoísta. Mas isto só tem interesse se nos divertirmos e a partilharmos”, declara Armando Martins. Nos primeiros cinco anos de colecionismo, recorda, o empresário só comprou obras do século XX português, “por falta de capacidade financeira e talvez por falta de conhecimento”. E acrescenta: “Hoje, arrependo-me bastante. Na última Arco Lisboa, um miúdo de 20 anos pediu-me conselhos sobre a arte. Respondi-lhe que se era para começar uma coleção, que começasse já, mas que comprasse artistas nacionais e estrangeiros ao mesmo tempo. E que não fizesse como eu, a quem me foram oferecidas peças do outro mundo, e que não aproveitei.” Exemplos? Armando Martins teve um Gerhard Richter na mão por 66 mil contos e recusou. “Na altura, era muito dinheiro para mim, mas estava capaz de o comprar. Uns anos depois, encontrei essa peça na Feira de Basileia por 23 milhões de euros…” Outro remorso: durante a crise de 2008, o empresário acreditou que iria regressar ao Brasil, onde já vivera durante 11 anos, e vendeu um punhado de obras de artistas brasileiras para ter capital disponível para comprar um pequeno centro comercial lá. “Estou estupidamente arrependido: perdi o dinheiro investido no Brasil e perdi as obras, uma das quais eu adorava: era a melhor peça que já vi da Beatriz Milhazes.” A novela não acaba aqui: quando em 2018 recebeu o Prémio “A” de Coleção pela Fundación Arco, Armando Martins ficou sentado ao lado de uma jovem brasileira da Galeria Fortes Vilaça durante um jantar. Conversa vai, conversa vem, ele contou-lhe a mágoa da perda de Milhazes. Ela abre o telemóvel, mostra uma imagem, e diz: “Era esta peça, não era? Foi o meu pai que a comprou.” O colecionador português “ia morrendo”, diz. O quadro ia ser vendido pela família, a galerista perguntou-se se estava interessado. “Eu agradeci, mas estava a braços com esta obra do MACAM e não tinha condições de ir a jogo…” Armando Martins também perdeu obras importantes de Vieira da Silva, num negócio acertado dois ou três dias antes de o galerista Jorge de Brito falecer repentinamente. Dramas de colecionador. “Umas vezes, perdemos peças; outras vezes, compramos obras sem saber como vamos pagá-las a seguir… É uma guerra interior. Ao colecionismo eu costumo chamar uma droga”, remata o fundador do MACAM.

O colecionador Fernando Figueiredo Ribeiro mantém a sobriedade no discurso e usa metáforas automóveis para falar de um mundo complexo: “A arte é como os automóveis: se não andar, estraga-se.” Mais à frente, recusa qualquer engrandecimento ou drama sobre o destino das coleções privadas: “Eu fiz isto ao longo da vida. Em bom rigor, achava-me mais um ajuntador do que um colecionador. O meu olhar não é um olhar coletivo: o que posso dizer é que gostei desta, desta e daquela obra, e que as comprei.”

Caminhos discretos

A Coleção Figueiredo Ribeiro (assumidamente batizada só com os apelidos, para preparar o legado para a próxima geração) colhe elogios, mas o seu fundador desvia as atenções: “Quando me dizem que sou ‘grande colecionador’, respondo logo que deve ser pela altura.” É, certamente, uma grande história: com a colaboração da investigadora Adelaide Duarte, ele enviou cartas para mais de 20 câmaras a propor a sua coleção. A condição é que não ficassem a mais de 1h30 de Lisboa. Todas responderam, e a maioria queria a sua coleção. Hoje, a Coleção Figueiredo Ribeiro tem um protocolo de comodato com um museu premiado com um acervo nos antípodas da arte contemporânea: o MIAA – Museu Ibérico de Arqueologia e Arte de Abrantes. Aí, o colecionador dispõe de duas salas amplas onde agora se mostra a exposição Da Dobra que a Chama Traz, com curadoria de Catarina Mel e Ricardo Escarduça.

Ao falar das obras aí patentes, é evidente a sua proximidade com os artistas maioritariamente das novas gerações: é um colecionador que dá sugestões de apresentação de obras, visita os ateliers, compra por vezes exposições inteiras de um único artista (como fez, por exemplo, com Luísa Cunha), tem mais de 20 obras ou séries grandes de determinados artistas – casos de Sara Bichão, Ana Jota, Miguel Henriques, Miguel Palma, Miguel Ângelo Rocha… Os seus critérios de aquisição de obras são cristalinos: há um critério de gosto; as dimensões das peças têm de ser “caseiras, no sentido em que podem viver em casa”; busca as peças criadas a partir dos anos 1970 para a frente; e privilegia certas técnicas como pintura, desenho, escultura, fotografia, “por esta ordem”. É uma coleção dedicada à arte nacional, porque o colecionador “gosta muito” dos artistas portugueses.. “Tenho três filhos e a coleção é quase como um quarto filho. Vender obras, que nunca fiz, seria aborrecido. Mas se eu analisar o colecionismo, não há grande lógica aqui. Sou católico praticante, e dizer que faço sacrifícios pela arte seria pecado.”

Ser ou não ser mecenas

Os colecionadores assumem o papel de mecenas ou de patronos face aos artistas contemporâneos? As respostas variam. “Temos relações fortes com artistas, também porque a maneira como as exposições acontecem na Rialto6 é muito intimista: preparamos a exposição, subimos até casa para almoçar ou jantar”, sublinha Maria Cabral. O marido acrescenta: “Não gosto da palavra ‘patronos’, tem uma certa hierarquia.” António Albertino e Ana Cristina olham para a big picture: “Em Portugal, há muito poucos colecionadores portugueses que comprem mais de 15 ou 20 obras por ano. E não haverá mais de 30 a 40 colecionadores que alimentem, de forma sistemática, o circuito.” A Coleção AA, defendem os seus fundadores, ajudou muitos artistas portugueses quando ainda não eram conhecidos: Nuno Sousa Vieira, Inês Moura, Vasco Paiva, André Cepeda… “Sem artistas, não haveria colecionadores. E sem colecionadores, os artistas e os galeristas não sobreviveriam. Esta é toda uma cadeia interdependente”, aponta Armando Martins. Este colecionador acrescenta: “Acho que se um colecionador quer ser um mecenas, tem de escolher as obras que tem; o colecionismo completa-se se é mostrado.” Fernando Figueiredo Ribeiro cita bons exemplos: “Maria da Graça Carmona e Costa [galerista e colecionadora desaparecida em 2024] era uma verdadeira mecenas que tive o prazer de conhecer. E era-o pelo seu amor à arte: criava bolsas, apoiava artistas sem pedir nada em troca, apoiava até instituições, fazendo um trabalho notável.” E o colecionador reitera: “Eu não sou mecenas de nada. Esta coleção não será doada a ninguém: será dos meus filhos.”

A compra é, pois, o gesto mecenático por excelência dos colecionadores. “As artes visuais são financiadas por um conjunto de pessoas que têm tempo a menos, dinheiro a mais e um attention span [capacidade de atenção] baixo: muitos nem percebem bem o que estão a ver, se era a capa do leilão ou assim…”, diz, provocatório, Armando Cabral. Mas os responsáveis da Rialto6 abordam também outros temas complicados: comprar obras diretamente a artistas representados por galerias? “Nunca nos passaria pela cabeça, é falta de ética, é aldrabice.” Descontos de preços nas obras? “As obras de arte são um bem etéreo. Se não se respeita o valor socialmente estabelecido para as obras de arte, então não há limites para os preços, estas não valem nada, não têm utilidade.” Diminuir preços alarga a base de compradores? “Fazer uma obra que custa 20 mil euros ser paga por 18 mil não fará com que metade dos portugueses vão comprar arte. Todos os artistas têm peças pequeninas, médias e grandes. O que alarga o público é as pessoas adquirirem pequenas edições.”

Julião Sarmento contou certa vez à VISÃO que uma das suas primeiras paixões, enquanto colecionador, foi uma obra de Joaquim Rodrigo (1912-1997), pintor autodidata, artista conceptual que criaria um reconhecível estilo figurativo. E candidamente confessou ter demorado “anos a pagar o quadro em prestações”. Não é caso único. Armando Martins, fundador do ambicioso MACAM, conta à VISÃO que comprou agora uma peça em Madrid, combinando o pagamento ao longo de 12 meses. Falar de arte é também falar, inevitavelmente, do vil metal. Em grandes quantidades. Como uma rima, perante este facto da vida, os colecionadores falam em “escolhas”. “São investimentos muito grandes, não se está a falar aqui de colecionar com 2% do capital [que se tem]. Em vez de se comprar uma casa no Algarve, tem-se uma coleção destas”, avança Armando Cabral. Ou em vez de “adquirir um Porsche”, diz, com ironia, Fernando Figueiredo Ribeiro.

Falar em valores não é um território confortável. Ainda que haja quem avalie a sua coleção privada em valores como dez milhões de euros. Maria e Armando Cabral, fundadores da Rialto6, dizem desassombradamente: “Já comprámos obras de arte conceptuais a preços absurdos, porque ninguém quer aquilo para nada: somos os 2%. O tipo de arte que apreciamos tem um público-alvo muito reduzido.” O casal de colecionadores coloca na ordem o voyeurismo dos cifrões: “Uma vez, perguntaram-me se tinha obras muito valiosas na coleção. Respondi: ‘Temos, sim senhora, o Ulisses, do James Joyce, Os Lusíadas…’; o que é que um colecionador pode ter de mais culturalmente relevante do que A Montanha Mágica, de Thomas Mann? Ou uma obra de Wagner? A diferença é que uma dessas obras é uma edição em um milhão de exemplares e a outra é única. Essa pergunta sofre de um problema conceptual, porque é dirigida não à qualidade das obras, mas ao seu preço.” Armando Cabral acrescenta: “Há, ainda, outro problema: as obras de arte extraordinárias são muito raras. Em Portugal, existem… dez? Mas as obras extraordinárias têm de estar nos museus. Para a nossa coleção, já adquirimos obras de arte boas, peças importantes. Temos, por exemplo, uma peça importantíssima do John Baldessari que está em muitos museus. Mas dizer que compramos obras extraordinárias seria saloio.”

Amor de alta performance

Colecionar arte contemporânea não é para espíritos fracos. José Carlos Santana Pinto, que usa sempre luvas ao manusear as obras da sua coleção, conta que já teve casa cheia com 30 pessoas em casa e que nunca teve um “acidente”. Mas, em noites de festa e bebedeira, recorda-se de estar sempre a dizer “não” ao “Joãozinho” Onofre porque este insistia em colocar um copo de vinho em cima da escultura de Cabrita Reis, instalada no meio da sala do colecionador… Fora da esfera doméstica, os colecionadores somam armazéns para guardar as centenas e milhares de obras de arte acumuladas. Há custos: manutenção certa, dispositivos para regulação de temperatura e desumidificadores, ajoelhar e rezar para que nenhum fungo consuma a obra. E, se se quiser mostrar obras da coleção privada, há transportes, seguros, montagem, sustos… “Ser colecionador em Portugal não é fácil, sobretudo para quem não olha para a coleção com o guia ArtPrice na mão”, sublinha Fernando Figueiredo Ribeiro.

Não surpreende que o anúncio de taxa de IVA de 23% na venda de obras de arte (logo a seguir à ex-ministra da Cultura, Dalila Rodrigues, ter anunciado uma nunca concretizada descida para 6%) tenha suscitado revoltas. “Uma obra de arte pagar 23% de IVA é um disparate: equivale a um produto de luxo, e a arte não um produto de luxo. Quer-se adquirir um trabalho que custa um milhão de euros e vai-se pagar 230 mil euros de imposto?! É um disparate, é um travão na cultura. Eu estou a fazer um serviço público que o Estado não faz. Não quero beneficiar mais do que qualquer outro, mas deixem-nos trabalhar, não nos esmaguem. Eu não tenho um euro do Estado – ou da banca – no MACAM. Como se diz na minha zona, estou bonito, mas estou teso”, arenga Armando Martins. “Este valor de 23% em Portugal vai criar uma tentação para as pessoas pagarem por baixo da mesa”, alerta José Carlos Santana Pinto. Não são as únicas batalhas agendadas com o Estado: há o eterno caso do (inexistente, queixam-se) Museu de Arte Contemporânea do Chiado, há a debilidade da lei de mecenato, há um Ministério da Cultura que passou a vizinho da juventude e desporto…

Santana Pinto conta que ouviu esta blague em Bruxelas: “80% dos colecionadores são de direita, 20% são de esquerda.” Assumindo-se parte dos 20%, o colecionador acrescenta ainda que não compraria “arte fascizante” e revela um discurso crítico, por exemplo, com a proliferação de feiras de arte: “É só dinheiro.” E conclui: “Socialmente, é muito bem-visto ter obras de arte.” Fernando Figueiredo Ribeiro matiza a questão: “Esta é uma atividade simultaneamente bem-vista e malvista. Porque num país como Portugal, um colecionador qualifica-se como rico, é visto como um sinal exterior de riqueza. Eu sempre trabalhei por conta alheia, paguei uma brutalidade de impostos e desfruto da arte – mas não como arte.” E o futuro das coleções? É uma dor de cabeça anunciada. Armando Martins tem esperança de que os herdeiros continuem o seu legado. Armando Cabral declara isto: “A única coisa realmente ética para fazer a uma coleção de arte é doá-la a um museu. O pior é dá-la aos filhos: a trabalheira brutal que isto dá, a manutenção, os empréstimos… Há quem diga que não é uma liability [uma responsabilidade] porque é um ativo que eles podem vender. Isso é outra conversa: se é para vender, também se pode vender em vida.” E recorda: “Não há um grande historial de coleções doadas que foram perpetuadas.” Resta o presente, o que os faz comprar a obra. Fernando Figueiredo Ribeiro oferece um consolo: “Colecionar arte contemporânea é a paixão pelo que fica.”