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Richard Avedon (1923-2004) não se limitou a registar uma época. Fez pior, ou melhor: obrigou uma época inteira a posar diante dele. Com o seu fundo branco, a sua elegância impiedosa, a sua capacidade de transformar um rosto num acontecimento e uma pose numa pequena guerra psicológica, Avedon não fotografou apenas modelos, escritores, artistas, políticos, estrelas de cinema ou anónimos americanos perdidos no imenso teatro social dos EUA. Fotografou o século XX no momento exato em que este começava a perceber que a imagem já não era ornamento: era poder, mercadoria, desejo, medo, reputação e, muitas vezes, condenação.
Avedon, de Ron Howard, apresentado nas Sessões Especiais do Festival de Cannes 2026, é um documentário elegante, acessível e suficientemente reverente sem cair, felizmente, na beatificação automática. Avedon merecia admiração, claro. Mas merecia também ser visto como aquilo que foi: um criador obsessivo, sofisticado, controlador, brilhante, por vezes cruel na procura da imagem certa, e absolutamente decisivo na forma como passámos a olhar para a moda, para as celebridades e para o retrato contemporâneo.
A moda deixou de estar quieta
Richard Avedon começou por se tornar célebre na fotografia de moda, esse território que muitos ainda confundem, por preguiça, com frivolidade bem iluminada. Mas, nas suas mãos, a moda deixou de ser roupa pendurada em corpos obedientes e mulheres — e homens — impossíveis. Passou a ser movimento, teatro, narrativa, desejo, inteligência visual. As modelos corriam, saltavam, riam, desafiavam a câmara. A fotografia de moda ganhava cinema, ficção, humor, nervo, sexualidade e uma estranha melancolia.
É por isso que o documentário de Ron Howard funciona melhor quando mostra Avedon não como simples fotógrafo de revistas, mas como alguém que percebeu antes de muitos que a superfície também pensa. Um vestido, um gesto, um olhar de lado, uma boca fechada, uma mão suspensa, um corpo em desequilíbrio: tudo podia dizer mais sobre uma época do que um longo discurso sociológico. Avedon sabia disso. E explorou esse saber com a precisão de um cirurgião e o instinto de um encenador.
O filme convoca várias figuras que ajudam a montar esse retrato plural: Isabella Rossellini, Lauren Hutton, Twiggy Lawson, Penelope Tree, Beverly Johnson, Calvin Klein, Tina Brown, Larry Gagosian, Adam Gopnik, Twyla Tharp, Hilton Als, Joel Meyerowitz, Tyler Mitchell e Samira Nasr, entre muitos outros. São vozes de mundos diferentes — moda, arte, jornalismo, dança, crítica, edição, fotografia — e essa diversidade é importante porque Avedon atravessou todos esses territórios com o maior dos à-vontades. Não foi apenas fotógrafo de moda, nem apenas retratista de celebridades, nem apenas artista de museu de arte contemporânea. Foi tudo isso ao mesmo tempo, o que é sempre irritante para quem gosta de arrumar os génios em gavetas bem etiquetadas.
O fundo branco como sala de interrogatório
Uma das grandes marcas de Avedon é o fundo branco no retrato. Parece simples. Quase pobre. Uma parede, uma luz, uma pessoa. Mas, em Avedon, essa simplicidade tornava-se uma máquina de pressão. Sem cenário, sem decoração, sem gabinete, sem biblioteca, sem livros ou quadros ao fundo ou desfocados, sem paisagem, sem símbolos exteriores de estatuto, o retratado ficava entregue ao que trazia no rosto, no corpo, nos ombros, na tensão da boca, no medo de ser apanhado desprevenido.
O fundo branco era a sua sala de interrogatório. Não havia para onde fugir. O poderoso deixava de ter palácio. A estrela deixava de ter aura. O escritor deixava de ter estante. A modelo deixava de ser apenas beleza. O anónimo deixava de ser invisível. Todos passavam a estar no mesmo espaço brutal e democrático: diante da câmera de Avedon.
É aí que o documentário encontra a sua matéria mais interessante e também o seu lado mais eficaz de divulgação da obra do fotógrafo. A fotografia, em Avedon, não é apenas revelação. É construção. É combate. É teatro. É manipulação assumida. O retratado tenta controlar a imagem que quer deixar. O fotógrafo tenta atravessar essa defesa. Entre os dois nasce qualquer coisa que não pertence inteiramente a nenhum deles. Uma fotografia de Avedon é muitas vezes isso: o resultado de uma luta educada, elegantíssima, silenciosa e feroz.
Avedon antes do Instagram
O mais fascinante, visto hoje, é perceber como Avedon antecipou o nosso tempo. Muito antes da ditadura das selfies, dos filtros, das campanhas de imagem, dos assessores de reputação, da política transformada em pose e da celebridade reduzida a fluxo visual permanente, Avedon já sabia que vivíamos a caminho de uma civilização dominada pela imagem. E não foi ingénuo em relação a isso.
Ele compreendeu que a fotografia podia fabricar mitos, mas também desmontá-los. Podia vender roupa, mas também expor o corpo social. Podia glorificar a beleza, mas também revelar a sua fragilidade. Podia celebrar o poder, mas também mostrar a sua solidão, a sua velhice, a sua vaidade, o seu cansaço. Avedon não fotografava apenas o que estava diante dele. Fotografava a tensão entre aparência e verdade.
Por isso, Avedon é mais do que um documentário biográfico sobre um grande nome da fotografia norte-americana. É também uma reflexão sobre o modo como olhamos, consumimos e somos consumidos pelas imagens. Hoje, quando toda a gente fotografa tudo, quase ninguém olha para nada durante mais de três segundos e muito menos imprime fotografias, Avedon regressa como uma espécie de fantasma elegante a perguntar: “Mas vocês têm a certeza de que estão a ver?”
Ron Howard não complica
Ron Howard (Éden) não é um cineasta dado a grandes malabarismos formais. Mesmo na ficção, é direto, simples e prático. Neste caso, isso joga a favor do filme. Avedon é claro, organizado, fluido, construído com arquivo, testemunhos e uma noção muito segura de progressão narrativa. Não tenta ser mais brilhante do que o seu protagonista, o que, neste caso, seria um erro fatal. Howard sabe que a força está nas imagens, nos rostos, nos relatos, na energia ainda viva de um trabalho que continua a influenciar fotógrafos, editores, artistas, estilistas e cineastas.
Claro que o documentário poderia ser mais arriscado. Poderia mergulhar mais fundo nas zonas menos confortáveis de Avedon, na sua obsessão pelo controlo, na violência subtil do ato de retratar, na relação entre moda, dinheiro, arte e poder. Mas talvez não seja esse o filme que Ron Howard quis fazer. O que temos é uma porta de entrada ampla, inteligente e sedutora para um universo gigantesco. E, para muitos espectadores, isso já será muito.
O testemunho de vários nomes, sobretudo Calvin Klein, Tina Brown, Larry Gagosian ou Isabella Rossellini, ajuda também a situar Avedon no cruzamento exato onde ele sempre esteve: entre indústria e arte, glamour e pensamento, revista e museu, cultura popular e alta cultura. Ele trabalhou para publicações, marcas e instituições, mas a sua obra excedeu sempre a encomenda. Esse é talvez o grande segredo dos artistas que atravessam o tempo: mesmo quando trabalham dentro de um sistema, conseguem deixar nele uma ferida pessoal.
O retratista da fissura
Avedon foi muitas vezes associado ao brilho. Mas o seu verdadeiro território talvez tenha sido a fissura. Fotografou a beleza como quem sabe que ela passa. Fotografou a juventude como quem já lhe adivinha o fim. Fotografou o poder como quem suspeita da sua pose. Fotografou a moda como quem vê nela não apenas elegância, mas disciplina, sonho, violência e comércio. Fotografou rostos célebres como se quisesse apanhar o instante em que a celebridade se cansava de representar a própria lenda.
E fotografou também a América fora do circuito glamoroso, essa América de trabalhadores, rostos marcados, corpos gastos, pessoas que pareciam vir de uma tragédia seca, sem banda sonora. Aí, Avedon mostrou que o seu olhar não dependia do luxo. O fundo branco tanto podia receber uma estrela internacional como um homem anónimo com as mãos duras de trabalho. E, diante da sua câmara, ambos tinham a mesma obrigação: existir sem desculpa.
É isso que torna Avedon tão moderno. Ele não acreditava na fotografia como espelho neutro. Sabia que a imagem era sempre uma construção. Mas também sabia que, dentro dessa construção, podia surgir uma verdade inesperada. Não a “alma”, essa palavra demasiado confortável para textos de parede em exposições. Antes qualquer coisa mais inquietante: a pose a falhar, a máscara a escorregar, o corpo a denunciar aquilo que a boca não diz.
Cannes, esse grande estúdio fotográfico
Ver Avedon em Cannes tem uma ironia deliciosa e simbólica. Porque o Festival de Cannes é, ele próprio, uma imensa máquina fotográfica. Tudo ali é imagem: a passadeira vermelha, o gesto ensaiado, o vestido que tem de resultar em fotografia, o actor que finge surpresa, o realizador que finge modéstia, o produtor que finge calma e está numa grande expectativa. Avedon teria percebido Cannes em cinco minutos. Talvez a tivesse adorado. Talvez a tivesse detestado. Provavelmente as duas coisas. E talvez tivesse fotografado as estrelas não no momento do sorriso, mas no segundo a seguir, quando a mandíbula descansa, o olhar se perde e a celebridade volta, por um instante, a ser pessoa.
Avedon, de Ron Howard, recorda-nos que uma imagem pode ser luxo e ferida, sedução e julgamento, superfície e abismo. Richard Avedon morreu em 2004, quando trabalhava sobretudo para a revista The New Yorker, mas a sua obra parece cada vez menos passada. Pelo contrário: quanto mais vivemos soterrados em imagens, mais o seu trabalho ganha força. Porque ele não nos ensinou apenas a olhar para os outros. Ensinou-nos a desconfiar do modo como os outros querem ser vistos.
No fim, talvez seja essa a grandeza de Avedon: fotografou o século XX antes de o século XXI transformar toda a gente em director de imagem de si própria. Ele chegou antes dos filtros, antes dos likes, antes das poses com legenda, antes da celebridade instantânea e descartável. Mas já sabia tudo. Já sabia que a imagem ia mandar em nós. E, com uma parede branca, uma câmera e uma inteligência feroz, mostrou-nos que o rosto humano é talvez o lugar mais perigoso e mais fascinante do mundo.
